NOTAS DO PROFESSOR 📖 A pré-produção como seguro do projecto A pré-produção é a fase em que se resolvem problemas no papel, antes de gastar dinheiro com equipa e equipamento. Reforcem junto dos formandos que um guião por aprovar ou uma autorização em falta podem parar uma rodagem inteira. A checklist não é burocracia: é a garantia de que ninguém chega ao set sem saber o que vai filmar. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Pedir exemplos de rodagens que correram mal por falta de preparação. • Mostrar uma call sheet real e explicar cada campo. • Discutir como adaptar a checklist a um vídeo pequeno de redes sociais.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Papéis e responsabilidades numa equipa de vídeo Cada papel existe porque exige atenção a tempo inteiro durante a rodagem. Quando uma pessoa acumula funções, algo é sempre sacrificado — e o som é o primeiro a sofrer porque ninguém o vigia. Convém que os formandos percebam que delegar não é luxo: é a forma de garantir que imagem, som e logística não competem pela mesma cabeça. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Distinguir realizador (o quê) de director de fotografia (como). • Explicar por que o som não pode ser acumulado com a câmara. • Simular a distribuição de papéis numa equipa de dois.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Scout de locação e ordenação por local O scout antecipa surpresas: a luz da tarde, o ar condicionado ruidoso, a tomada que não existe. Insistir que se filma por locação e não pela ordem do guião, porque montar e desmontar luz e som em cada mudança de espaço consome o dia. É aqui que os formandos aprendem a pensar em logística e não só em criatividade. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Listar o que observar num scout: luz, som ambiente, acessos, tomadas. • Explicar por que a ordem de rodagem difere da ordem do guião. • Falar de autorizações em espaço público vs privado vs comercial.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 O triângulo de exposição como sistema de trocas A grande ideia é que estas três variáveis estão ligadas: mexer numa obriga a compensar nas outras. Em vídeo, o obturador está praticamente fixo pela regra do dobro, por isso a exposição joga-se entre abertura e ISO. Levar os formandos a perceber que cada escolha tem um efeito visual — bokeh, ruído, movimento — e não é só técnica. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Demonstrar a regra do dobro (obturador = 2× a frame rate). • Mostrar a diferença de profundidade de campo entre f/1.8 e f/16. • Explicar por que se evita ISO alto e como compensar com luz.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Distância focal molda a perspectiva A lente não é só "aproximar ou afastar": cada distância focal altera a sensação de espaço e a forma como o rosto aparece. A telefoto comprime e favorece, daí ser a escolha para entrevistas; a grande angular distorce e deve evitar-se perto de caras. Convém ligar cada escolha a um objectivo concreto do vídeo corporativo. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Comparar o aspecto de um rosto a 24mm vs 85mm. • Explicar lentes rápidas vs lentas e o impacto na luz disponível. • Recomendar um kit mínimo de lentes para começar.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Iluminação de três pontos como base universal Este setup resolve a maioria das situações de entrevista e vídeo corporativo, por isso vale a pena memorizá-lo. Cada luz tem uma função: o key define o volume, o fill suaviza as sombras, o back separa do fundo. Demonstrar com uma única luz e ir acrescentando ajuda os formandos a verem o efeito de cada uma isoladamente. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Acender luz a luz e mostrar o que cada uma acrescenta. • Explicar a relação de intensidade fill/key (50-70%). • Mostrar o erro do sujeito "colado" ao fundo sem back light.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Temperatura de cor e white balance manual A temperatura de cor explica por que uma imagem fica laranja ou azul: depende da fonte de luz. O ponto crítico para vídeo é o white balance manual — em automático, a câmara reajusta a meio do plano e a cor "salta", arruinando a continuidade. Misturar fontes de temperaturas diferentes (janela + lâmpada) é o erro clássico a evitar. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Mostrar a mesma cena a 3200K e a 5600K. • Demonstrar o problema de misturar luz de dia com tungsteno. • Explicar como fazer white balance manual com um cartão branco.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Luz natural: gratuita mas instável A luz do dia é bonita e não custa nada, mas muda constantemente — o que obriga a filmar depressa e a controlar a continuidade. A golden hour e a luz difusa de um dia nublado são aliados poderosos para rostos. Insistir na ideia de que a janela é um key light profissional disponível em quase todo o lado. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Explicar o que é a golden hour e como planear para ela. • Distinguir luz dura de luz difusa com exemplos de sombras. • Demonstrar o esquema janela + reflector branco.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Escolher o microfone certo para cada situação A regra de ouro do som é a proximidade: quanto mais perto da fonte, melhor. O shotgun serve quando não se pode ver o microfone; o lavalier dá consistência mas é visível e precisa de aprovação. O microfone da câmara é o último recurso porque está longe e apanha tudo. Levar os formandos a escolher consoante o contexto, não por hábito. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Comparar gravação com mic da câmara vs lavalier. • Explicar o padrão direccional do shotgun. • Discutir quando o lavalier visível é aceitável ou não.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Níveis, sync e monitoring em campo O clipping é o pesadelo do som: uma vez gravado distorcido, não há recuperação. Por isso se trabalha com margem (-12dB) e se vigia o nível em auscultadores durante todo o take. A claquete resolve o sync quando câmara e gravador estão separados. A mensagem-chave é que o som mau estraga imagem boa, e o contrário não é verdade. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Demonstrar o que acontece a um sinal em clipping. • Explicar a regra dos -12dB e a margem de segurança. • Mostrar o uso da claquete e como sincroniza na edição.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Dirigir quem está à frente da câmara Dirigir é tanto técnica como relação humana: pessoas nervosas dão más performances. O truque de pedir ao entrevistado para repetir a pergunta na resposta resolve a edição, porque permite cortar as perguntas. Deixar rodar uns segundos extra no fim dá margem de manobra na montagem. Convém praticar este à-vontade em exercícios reais. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Demonstrar a técnica de incluir a pergunta na resposta. • Explicar por que se posiciona o entrevistado a olhar de lado. • Praticar a sequência de takes (técnico, aquecimento, uso, extra).

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Continuidade e protocolo de set A continuidade é invisível quando está certa e gritante quando falha: um copo cheio que esvazia entre planos quebra a ilusão. Fotografar os detalhes com o telemóvel é a solução prática para equipas pequenas. O protocolo verbal do set ("silêncio", "a rodar", "acção", "corta") existe para coordenar a equipa e marcar o início limpo de cada take. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Mostrar exemplos de erros de continuidade em filmes. • Explicar como usar o telemóvel como registo de continuidade. • Treinar o protocolo verbal do set com a turma.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Organizar o material antes de editar A pós-produção começa antes do primeiro corte: com backup duplo e uma estrutura de pastas clara. Perder material por não fazer backup é um erro que pode custar um projecto inteiro. Ver e anotar os takes antes de editar poupa horas, porque o editor já sabe onde estão os bons momentos. A disciplina aqui é o que separa o amador do profissional. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Reforçar a regra do backup em dois locais. • Mostrar a estrutura de pastas footage/audio/graphics/exports. • Discutir critérios para classificar bons takes vs descartar.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 As fases do corte, do assembly ao picture lock A edição faz-se por camadas: primeiro junta-se tudo (assembly), depois afina-se o ritmo (rough), depois o detalhe (fine), e só então se "tranca" a imagem. Tentar fazer tudo de uma vez gera frustração e desperdício. O corte na acção é o truque que torna a montagem invisível — vale a pena demonstrá-lo num exercício. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Explicar por que não se busca perfeição no assembly cut. • Demonstrar a diferença de ritmo entre rough e fine cut. • Mostrar um corte na acção e um corte "errado" para comparar.

NOTAS DO PROFESSOR 📖 Exportar para cada destino com um master de origem Cada plataforma tem requisitos próprios de formato, resolução e bitrate, e exportar errado significa qualidade perdida ou ficheiros rejeitados. A regra de ouro é guardar sempre um master de alta qualidade (ProRes) e gerar a partir dele as versões comprimidas. Assim, quando surgir um novo destino, não é preciso reeditar — basta reexportar. 🗣️ Pontos a desenvolver oralmente • Explicar a diferença entre master de arquivo e ficheiro de distribuição. • Mostrar as definições de exportação para YouTube e para Instagram. • Reforçar por que ProRes/DNxHR servem de arquivo e H.264 de entrega.