Índice

1. Pré-produção
2. Câmara e óptica
3. Iluminação
4. Som
5. Rodagem
6. Pós-produção rápida

O que é a pré-produção?

Toda a preparação antes de ligar a câmara. Em vídeo profissional, a pré-produção representa 40-60% do tempo total do projecto.

Checklist de pré-produção:

• Guião / roteiro aprovado pelo cliente.
• Locações scouted e autorizadas.
• Equipa definida e confirmada.
• Equipamento reservado ou alugado.
• Plano de rodagem (shooting schedule).
• Call sheet (folha de convocação da equipa).
• Orçamento aprovado.

Equipa mínima para vídeo profissional

Para projectos pequenos (redes sociais, tutoriais): uma ou duas pessoas podem acumular papéis. Mas o som precisa sempre de atenção — é o erro mais comum em vídeo amador.

Plano de rodagem e locação

Scout de locação: visitar o local antes da rodagem para avaliar:

• Luz disponível (direcção, qualidade, hora do dia).
• Som ambiente (tráfego, AC, vento, vozes).
• Logística (acesso, estacionamento, electricidade).
• Autorizações (espaço público, privado, comercial).

Plano de rodagem: agrupar cenas por locação, não por ordem do guião. Inclui: hora de início de cada cena, locação, planos a realizar, elenco necessário.

O triângulo de exposição

A exposição correcta depende de três variáveis interdependentes:

        ABERTURA (f-stop)
           /    \
          /      \
  ISO ─────────── OBTURADOR

Abertura (f-stop): controla a quantidade de luz que entra pela lente E a profundidade de campo. f/1.8 = muito aberto (bokeh), f/16 = muito fechado (tudo em foco).

Obturador (shutter speed): controla o tempo de exposição. Para vídeo: regra do dobro — obturador = 2× a frame rate. A 25fps, obturador = 1/50.

ISO: sensibilidade do sensor. ISO alto = mais grão/ruído. Usar o ISO mais baixo possível.

Lentes e óptica

Distância focal e perspectiva:

• Grande angular (10-35mm): campo amplo, distorção nas extremidades, sensação de espaço.
• Normal (35-50mm): aproxima-se do olho humano, natural.
• Telefoto (85-200mm+): compressão do espaço, bokeh fácil, ideal para entrevistas.

Abertura de lente (f-stop):

• Lentes rápidas (f/1.4-f/2.8): mais luz, mais bokeh, mais caras.
• Lentes lentas (f/5.6+): menos luz, mais profundidade de campo.

Para vídeo corporativo: 35mm e 50mm são os mais versáteis. Para entrevistas: 85mm.

Iluminação de três pontos

O setup clássico para entrevistas e vídeo corporativo:

Key light (luz principal): a fonte de luz mais forte. A 45° do sujeito, ligeiramente acima. Define as sombras e o volume do rosto.

Fill light (luz de preenchimento): do lado oposto ao key. Preenche as sombras mais escuras. Intensidade = 50-70% do key. Pode ser um reflector.

Back light / Rim light: atrás e acima do sujeito. Separa-o do fundo, cria profundidade. Fundamental para não ter sujeito "colado" ao fundo.

Temperatura de cor

A temperatura de cor (Kelvin) descreve a "cor" da luz.

White balance (balanço de brancos): ajuste da câmara para compensar a cor da luz ambiente. Usar sempre white balance manual em vídeo — o automático muda durante o plano.

Luz natural vs artificial

Luz natural — vantagens: gratuita, bonita, natural. Desvantagem: muda ao longo do dia e com as nuvens.

Golden hour: 1h após o nascer do sol e 1h antes do pôr do sol. Luz quente, suave, sombras longas e difusas. Ideal para exteriores.

Luz dura vs difusa: luz directa cria sombras duras. Luz difusa (nuvem, difusor, rebatedor) cria sombras suaves. Para entrevistas e rostos: sempre preferir luz difusa.

Tipos de microfone para vídeo

Shotgun (microfone de cano): direcção cardioide supercardioid. Capta o que está à frente, rejeita sons laterais. Montado em vara (boom) ou no top da câmara.

Lavalier (microfone de lapela): pequeno, preso à roupa ou ao colarinho. Muito próximo da fonte sonora — qualidade consistente. Visível — requer aprovação do cliente/sujeito.

Microfone de câmara (built-in): evitar sempre que possível — está demasiado longe do sujeito e apanha todo o ruído ambiente e da câmara.

Sync de som e monitoring

Sync de som: para produções com câmara separada do gravador de som, usar um claquete (ou clap) no início de cada take. Permite sincronizar o áudio no software de edição.

Regra do -12dB: o nível de pico do som gravado deve estar por volta de -12dB VU. Evitar clipping (distorção por excesso de sinal) — é irreparável.

Monitoring: usar sempre auscultadores durante a rodagem para monitorizar o som. O que se ouve nos auscultadores é o que vai gravado.

Direcção de entrevistados e actores

Para entrevistas:

• Posicionar o entrevistado a ⅓ do frame, a olhar ligeiramente para um dos lados (não directamente para a câmara).
• Pedir ao entrevistado para incluir a pergunta na resposta ("em vez de dizer 'sim', dizer 'sim, acho que a sustentabilidade é...'").
• Deixar rodar alguns segundos depois da resposta — útil na edição.

Para actuações/dramatizações:

• Fazer primeiro uma passagem "técnica" (verificar enquadramentos, movimento).
• Depois: take de aquecimento, take de uso, take extra.

Continuidade e protocolo de set

Continuidade: garantir que elementos visuais são consistentes entre planos que serão editados juntos (roupa, adereços, posição de objectos, estado do cabelo).

Script supervisor / continuidade: em produções maiores, uma pessoa fotografa cada plano para referência. Em produções pequenas: fotografar com telemóvel os detalhes críticos.

Protocolo de set básico:

1. "Silêncio no set" — todos param de falar.
2. "A rodar" — câmara e som estão a gravar.
3. Claquete (se houver).
4. "Acção" — começa a cena.
5. "Corta" — termina o take.
6. Confirmação: "Boa, passamos" ou "Mais um".

Organização do material

Antes de editar:

1. Copiar todo o material para disco rígido (backup em 2 locais).
2. Organizar em pastas: footage/, audio/, graphics/, exports/.
3. Ver todo o material e fazer anotações (bons takes, a descartar).
4. Criar projecto no software de edição com a estrutura de pastas correcta.

Software de edição:

• DaVinci Resolve (gratuito, profissional) — recomendado.
• Adobe Premiere Pro (pago, indústria standard).
• CapCut (gratuito, mobile/desktop) — para conteúdo redes sociais.

Timeline e corte

Passos do corte:

1. Assembly cut: colocar todos os takes selecionados na timeline pela ordem certa. Não preocupar com perfeição.
2. Rough cut: primeiro corte real. Eliminar hesitações, pausas, erros. Ajustar ritmo.
3. Fine cut: ajuste fino de cada corte. Atenção à continuidade de som entre planos.
4. Picture lock: aprovação da versão final antes de mistura de som e grafismos.

Corte na acção: cortar durante um movimento (não antes nem depois) — o olho do espectador segue o movimento e o corte fica invisível.

Exportação

Regra geral: exportar sempre um master de alta qualidade (ProRes ou similar) antes de criar versões comprimidas para distribuição.